viernes, 29 de abril de 2016

Aprovechando la Luz

LA SENSIBILIDAD

O el ISO como se viene denominando en la nomenclatura fotográfica. Sí, no nos referimos a sentimientos o emociones. Es algo que es inherente a la fotografía desde la primera foto realizada. En las primera placas, dagerrotipos o negativos, no se sabía muy bien que sensibilidad tenían. Se hacían pruebas y en relación a ellas se estipulaba la exposición o la luz que necesitaba ese material para conseguir buenas fotos.
Me pasó en un curso presencial que hice que dije lo del ISO y fueron a protestar a quienes lo organizaban (creerían que era una palabrota o algo así) por lo que de aquí en adelante me referiré a la sensibilidad.
Hay dos escuelas en esto. La de “hazlafotoatodacosta” que ponen la sensibilidad en automático o no les importa “el grano digital” y los de “sinruido”. Los primeros te aconsejarán que lo importante es captar la imagen. Los segundos que, si hay poca luz, prepares el trípode y tengas paciencia.
La sensibilidad es algo que debe jugar a nuestro favor y no en contra. Si hay poca luz y no tienes trípode hay que subirla. Sino la foto sale oscura o movida. Eso sí no sirve para imprimir en alta resolución o al menos no a ciertos valores sensibles. Si tomas una foto con, por ejemplo 400 de sensibilidad y le aportas flash ocurre una cosa interesante. La foto aprovecha mejor la luz y otra cosa es que a luz más clara el ruido es menos evidente. Esa misma foto sin flash o con menos luz daría más ruido.
El ruido no es que la foto rechine, viene de la grabación de audio y del vídeo. Cuando se sube la ganancia (en vídeo) aparece tanto en el audio como en el vídeo un siseo que es más persistente cuanto más se sube. Y la pureza del sonido tiene ruido. “Noise” en Inglés. Ahora hay cámaras que dan ruido aceptable incluso a 3200 de sensibilidad. Dicen algunos optimistas que las hay que lo dan impoluto a 6400 o a 12500, pero eso es o hilar poco fino o eso optimismo. De todas maneras la ciencia avanza que es una barbaridad. Sony filmó con su A7 un vídeo de noche y parecía de día. Pero el ruido sigue ahí, de momento.
Entonces ¿Que hacer? ¿Subir o bajar sensibilidad? Pues hay momentos en los que la foto tiene que tener sensibilidad alta. Por ejemplo en eventos deportivos lejanos donde el flash es inoperante y algunas veces prohibido. Esas fotos no suelen ampliarse, aunque también los recintos deportivos cada vez cuentan con mejor iluminación. Si el motivo está estático y quieres una imagen perfecta. Sensibilidad baja a 100 y si la cámara te lo permite a 50.
En fotoperiodismo a menos que sea un posado de rueda de prensa o de otro tipo no se suele utilizar el flash. Hay noticias que no pueden permitirse “avisar” con el flash. Igualmente en Street Photography o Fotografía de calle no suele utilizarse. Luego hay museos y recintos que se visitan que no permiten el flash. Te dicen que es para que no perjudiques la piedra o la pintura. En este último caso es cierto los destellos de flash pueden perjudicar los pigmentos. Pero la piedra dudo que algo que ha estado a la intemperie miles de años y se conserva, le perjudique los pequeños leds de los móviles o los flashes de las cámaras compactas. Es más porque si el museo o recinto es concurrido sería muy molesto ver cientos de flashes disparados a la vez. Ahí, sin el flash, si hay que tirar de sensibilidad alta.
En estudio se suele utilizar la menor sensibilidad posible. La potencia de los flashes es tan alta que incluso los diafragmas abiertos son inoperantes. Eso con luz de destello. En luz continua es otra historia. De día, según el día, puedes necesitar una sensibilidad baja para un día soleado. O una intermedia para un día nublado o seminublado. Y si estás a la sombra quizá con sensibilidad baja pero con diafragma abierto.
Para las estrellas es imposible captarlas sin que aparezcan como una traza sin sensibilidades altas. Estoy hablando de a partir de 800 cuando empieza la noche (con luna nueva) y de 3200 a 6400 con noche cerrada. Mejor con objetivos angulares. Con normales o teles las estrellas con pocos segundos empiezan a “moverse” (quienes nos movemos somos nosotros)
Y unos ejemplos. Esta vez pongo tres.

BAJA SENSIBILIDAD

Fotografía hecha con 100 ISO. Con flash rebotado. Jugando con las proporciones y el alineamiento. Si se amplia tiene suficiente resolución para hacer incluso un A2. Con una definición muy buena. Está hecha con cámara réflex y un objetivo de calidad.





ISO ALTO

Condiciones de luz muy precarias. Tenía flash pero era un acto religioso y no quería molestar. Aparte que con el flash te cargas la atmósfera de la estampa. El Ruido es evidente. Está a 12800 ISO. La pasé a Blanco y Negro no por que quisiera “arreglar” el ruido sino por el contraste de sombras



ISO DE ESTRELLAS


La foto está hecha con 800 ISO no es al principio de la Noche. Y lo que se ve en el horizonte no es el atardecer sino la contaminación lumínica de las poblaciones adyacentes. La cámara, como en las otras dos es una cámara réflex de gama media-alta. Se comporta muy bien a altas sensibilidades



Juan Gregorio García Alhambra
FOTO digitalhambra

29/04/2016

martes, 19 de abril de 2016

Sobre Edicion y Tal

LA EDICIÓN, ESA GRAN DESCONOCIDA

Tendemos a idealizar la edición. A estigmatizarla, o lo que viene a ser renegar de ella. Hay gente tanto en contra como a favor. Una cosa que me hace gracia es que quien se compra una cámara regularcilla lo primero que hace es un curso de edición (Photoshop o similares) Voy a decir mi opinión al respecto. Referido a eso y a muchas cosas más. No pretendo sentar cátedra. Es más cuantas críticas a mis críticas se viertan serán bienvenidas.
Eso de empezar, antes de hacer bastantes fotos y que te vayan saliendo bien, la casa por el Tejado (Edición antes de técnica fotográfica) no es buen síntoma. Es como intentar matricularse en enseñanza secundaria sin haber pasado por primaria. Si que queda muy bonita una manada de unicornios malva con las nubes esterofónicas y con una puesta de Sol totalmente artificial. Pero eso no es fotografía. Eso es diseño gráfico o como se viene diciendo “Ilustración fotográfica”. Ni tanto ni tan calvo. Primero aprende a hacer fotos, luego a editarlas como imágenes simples y después haz las florituras que te apetezca. Ojo hay muchos cursos que se ofrecen como de fotografía y lo primero que hacen es sentarte delante de un ordenador. Antes la cámara y como he dicho y repito hacer muchas fotos con las enseñanzas fotográficas. ¿Con un móvil? Perfecto. Si tienes un móvil con cámara. Eso pequeñito que hace fotos es precisamente eso, una cámara. Y las normas y técnicas se pueden aplicar igualmente. Si te dicen que vas a hacer un curso para fotografiar con móvil es igual que un curso de fotografía con otro tipo de cámara. Salvo los ajustes manuales es idéntico.
Y luego los puristas (como veis hay para todos) que no, que no hay que editar en absoluto. Como sale de la cámara. Yo ya llevo años en esto y tanto con la película como con lo digital las fotos se tocan antes de enseñarlas o de venderlas. Lo decía un maestro indiscutible Ansel Adams que sabía de música y de fotografía (bueno sabía de muchas cosas): La captura y el negativo son la partitura. Luego la copia es la interpretación final. Eso lo resume todo. Con un RAW pelao y mondao no vamos a ningún sitio. Para empezar le hace falta una máscara de enfoque, ajustar niveles, si hay alguna mancha del sensor clonarla, reencuadres siempre se han hecho y se hacen. La frase de Ansel Adams puede ser actualizada como la captura y el original (RAW o JPG) son la partitura y la edición y/o impresión son la interpretación final. Ya se que eso no se llama retoque se llaman ajustes eufemísticamente.
Cuando se hacía fotografía “digital” en el cuarto oscuro. Y me refiero a cuando frotabas con el dedo los papeles para que subieran las sombras o hacías máscaras de reserva para las luces con las manos y los dedos. Eso es lícito si luego vas a conseguir lo que perseguías. Que no es más que la escena se presente más o menos como estaba o como tú la veías. O incluso como quisieras que apareciera.
Ahora podemos editar las fotos directamente en el móvil o en la cámara. E incluso compartirlas inmediatamente. Eso no es malo. Pero primero debemos asegurarnos que la foto original tiene un mínimo de calidad. Si no todo lo que sea editar será degradar más la imagen y no servirá de mucho.
Después de estas reflexiones os invito a que comentéis en el blog o en la entrada de facebook lo que os parezca oportuno. Y pongo dos fotos una con un retoque sutil y otra con bastante retoque.


ARBOLES EN EL VALLE


Foto hecha partiendo de un RAW (Negativo Digital solo disponible en ciertas cámaras) Se consigue con un toque de niveles y realzando el cielo con el editor Adobe Ligthroom CC. Se ha aplicado una pequeña máscara de enfoque. No se ha tenido que tocar mucho por estar adecuada la exposición y equilibrada en origen (la diferencia de luz entre el cielo y el suelo no era mucha) Me dirá alguien que el horizonte esta torcido. Si se observa los árboles están derechos y es un monte no el horizonte nivelado. La composición dos elementos centrales, diferentes, con un fondo que aporta no distrae y un primer plano con textura por la iluminación cenital que le da ese detalle.






VALLE PROPIAMENTE DICHO

Fotografía también a partir de un RAW. En esta si veis el RAW original no os creéis que se ha sacado a partir de él. Le hice una exposición adrede sobreexpuesta para luego recuperar más detalles en el revelado. El cielo aparece blanco. El suelo está mucho más plano. Se le han aplicado varios ajustes. Se ha tratado por separado el cielo y el suelo. Y luego se ha aplicado el filtro de Lightroom CC “reducir niebla” para darle más contundencia a la foto en general. También se ha tocado los negros y las altas luces. Y antes del filtro de niebla se ha tocado la claridad. Se ha dado más importancia al Valle que al Cielo. Por lo que parece que ocupa más espacio. No obstante la focal angular de la toma permite abarcar ambos extremos llegando incluso a competir en cierta manera.



Juan Gregorio García Alhambra
FOTO digitalhambra

19/04/2016

miércoles, 13 de abril de 2016

Hablando de Instinto Fotográfico

EL “INSTINTO” FOTOGRÁFICO

Hoy voy a hablar del llamado o mal llamado “Instinto” Fotográfico. Suele tenerse una idea equivocada sobre los que dicen tenerlo. Esos ya no son ni autodidactas, directamente compiten con la agencia “Magnum” si no sabes que es la agencia “Magnum” busca en Internet. Asocialo a “agencia fotográfica”. Si no puede que te lleven a comprar la pistola de “Harry el Sucio”. Y si no la conoces no tienes tanto instinto como creías. Una vez que la conozcas te entraran ganas de abandonar “Instagram”.
Instinto. Eso del instinto está bien en la supervivencia, en la reproducción y en cuatro o cinco cosas más. Básicamente es un instinto animal. La fotografía no es un acto animal. No he visto a ningún gato ni a ningún gorrión hacer fotos. Una vez un Macaco hizo una foto que por cierto llevó a pleito al propietario de la cámara por la autoría de la imagen. Pero no es la norma. Puedes tener una tendencia a captar imágenes o un don de la observación más acusado que los demás. Pero eso no te convierte en un excelente fotógrafo. Se necesita educar esa “virtud”. Ninguno, repito, ninguno de los fotógrafos famosos y sobre todo los muy buenos, han hecho las fotos por que sí. Por una inspiración divina o por ciencia infusa.
Los humanos somos en parte animales. Pero nos diferenciamos de los demás animales en que casi todo tenemos que aprenderlo. De hecho de pequeños no sobreviviríamos si no nos educaran o nos ayudaran en nuestra infancia. Por compensación tenemos inteligencia. Inteligencia abstracta. Eso, eso es lo que, aparte de tenerlo hay que cultivarlo adecuadamente. Y en la fotografía especialmente la forma de mirar, la observación, el análisis de lo que nos rodea. No es una cualidad innata.
Se necesita una formación adecuada. Y normalmente no te lo van a dar en la escuela parroquial del barrio. Te pueden iniciar, pero como todo cultivo, hay que trabajarlo continuadamente. Bien con libros, bien con cursos presenciales que sobre todo merezcan la pena. Informarse sobre quien da el curso. Esencial, no solo que haga buenas fotos, sino que sea buen comunicador y educador. Eso desarrolla mucho el instinto en el caso de que existiera.
Que te den bastantes “Likes” en Facebook, Instagram o Twitter por poner algunos ejemplos. No es indicativo de que seas bueno. Puedes recibir “me gusta” de gente que tenga igual o menos idea que tu de fotografía. Recomiendo que te metas en algún foro de fotografía donde haya gente más preparada. Te advierto, tus fotos van a criticarlas sin piedad, lo que tu creías una obra maestra sera un pufo considerable a ojos de personas con más experiencia o formación. Pero aprenderás. Vaya si aprenderás. Eso o abandonarás, si lo haces a lo mejor ni eras tan bueno, ni te interesaba tanto la fotografía.
Hay muchísima gente que hace fotos, que hace buenas fotos ya hay menos, y quien hace fotos extraordinarias son muchos menos. Luego están los genios. Esos llevan muchas horas de formación y muchos disparos en sus cámaras. Huye de los “autodidactas” sobre todo los que dan cursos y se intitulan así. Una persona que dice haber aprendido todo por su cuenta (yo no creo que nadie sea autodidacta todos aprendemos de alguien de una u otra manera) no puede aconsejar que otros aprendan de él.
Yo he intentado dar cursos. No es lo mío. Quizá no soy buen comunicador en la palabra. Escribiendo es de otra manera. Puedes corregir, añadir, quitar y reflexionar sobre lo que escribes. Pero no descarto darlos en vivo algún día. Para ello no me lanzaré como otras veces. Me formaré en formación y pedagogía antes de hacerlo.
Actualmente hay muy poca cultura visual. Pese a que es la época en que más imágenes consumimos y vemos. Me lo decía un formador, debería darse la fotografía y el vídeo como asignatura obligatoria en las escuelas. Se conseguiría una mejor educación no solo para esas disciplinas. Sino para apreciar la cultura en general que también se transmite en imágenes

ATARDECER

Esta fotografía se hizo pensando en un atardecer panorámico de una población entera. Pero me encontré con unos cardos y el Sol y aproveché para hacer esta imagen. Tiene líneas explícitas como son las ramas del cardo una semi explícita, que es la que las une por arriba. El horizonte. El marco que cierra el Sol es un triángulo rectángulo que da una sensación de armonía y equilibrio a la imagen. Los colores cálidos dan proximidad a la imagen. Los colores cálidos avanzan los fríos retroceden. Es un contraluz.




EL AVE
Esta foto la hice poco de visitar una exposición de Cartier-Bresson. Un fotógrafo de la Agencia Magnum. En Madrid. Esta foto hay que verla previamente. Y disparar rápido, que el pájaro no se entretendrá mucho. Hay una diagonal explícita. Y otro triángulo implícito también rectángulo lo hace el propio pájaro con su pico y la inclinación de la pose. Los reflejos del agua hacen que se interpreten formas caprichosas que enriquecen la toma. Pero no distraen a la vez. El reflejo del pájaro prolonga la escena hacia abajo. Y para quien sea partidario de los tercios el pájaro esta en el tercio inferior. Aunque esté centrado el ave en sí.





Juan Gregorio García Alhambra
FOTO digitalhambra

13/04/2016

viernes, 8 de abril de 2016

La Luz. Aproximación



LA LUZ. APROXIMACIÓN


La luz en fotografía es esencial. Si no hay luz no hay foto. Ya puede ser la luz normal, infrarroja o ultravioleta. O espectro de rayos X. Pero se necesita luz. Algún tipo de luz. No siempre es la luz que percibimos a simple vista. Hay luz en una noche estrellada, hay luz en una habitación cerrada con alguna pequeña rendija. Pero no nos engañemos. Las cámaras no captan “más luz” que la que hay. Tiene que haber alguna intensidad de luz. Simplemente a primera vista no la apreciamos.
Cuando de noche salimos de una habitación iluminada. Primeramente el cielo despejado nos parece plano, más bien oscuro. Cuando pasa un rato percibimos las estrellas. Algo así le pasa a la cámara. Ve la luz si le damos la suficiente exposición. Vamos al meollo.
Todos sabemos como se comporta la luz, aunque no lo creamos. Reaccionamos instintivamente a estímulos lumínicos. Algunas veces como supervivencia. Si vamos por un túnel oscuro, percibimos que este se acaba cuando vemos luz al fondo. Si una sombra pasa nos cubre en un día medio nuboso, sabemos que una nube está cubriendo el sol. Cuando vamos por un callejón oscuro y vemos una sombra humana nos pone en guardia.
Pero esos estímulos son primarios. Necesitamos un poco más de observación y estudio para, por un lado, crear luz. Y por otro adaptarnos a la luz disponible. Crear luz se suele hacer en un estudio fotográfico. Adaptarnos a la luz disponible suele ser luz natural o luz artificial no controlada. Hay una forma de combinar ambas. Mezclando la luz disponible y modificandola o aportando más luz o atenuando la existente.
La luz se puede modelar. Suavizar, endurecer, tamizar. Difractar. Todo ello ya se ha hecho a lo largo de la historia de la fotografía. Es raro hacer algo que no se haya hecho ya. A mi me ha pasado a veces ocurrírseme algo como novedoso. Y pocas semanas después ver que alguien ya lo hizo hace unas décadas y puede que mejor que yo.
Con una simple linterna y tu mano. En una habitación oscura puedes comprender fácilmente como se comporta la luz. Enciende la linterna. Ponla delante de la mano cerca de ella y la mano cerca de la pared. La sombra es difusa. Aléjala, la luz es dura. Y más datos, si acercas la linterna la mancha de luz es sobre la mano y lo demás aparece oscuro. Si alejas pierdes intensidad pero iluminas más cantidad de pared. Si la pared es clara rebotará la luz y tendrás una segunda iluminación sin una segunda fuente de luz (en realidad es la pared la segunda fuente) Si haces lo mismo en un espejo o un cristal. La luz se refleja y tienes más luz sin otra segunda fuente de luz.
Si iluminas desde arriba es una luz natural (Como el sol) Si iluminas frontal la luz es plana. Si iluminas lateral, resaltas los relieves y formas. Si se pone la linterna detrás de la mano. Haces un contraluz. Verás un halo alrededor y oscuridad en la forma de la mano. Un contorno.
Usando una auténtica segunda fuente de luz ya consigues otros efectos. Pero eso lo dejamos para otro artículo. Parece sencillo y en realidad lo es. Lo que he puesto a grosso modo es el comportamiento de la luz en su forma más básica y la que más se utiliza. Normalmente no podemos acercar y alejar el Sol, pero podemos fotografiar en días soleados y en días nublados. Ponernos a la sombra. Aprovechar la luz de una ventana o de varias en una habitación. Y si podemos controlarla, ya sea en un estudio con los accesorios adecuados. O bien con medios rudimentarios pero efectivos. Lámparas o flexos, papel vegetal como difusor, cartulinas como reflectores. Flashes de mano, uno o varios (lo que se viene llamando Srobist) De todos modos si se comprende el manejo básico de la luz la combinación de varias fuentes no es tan complicada.
Diferenciar la luz continúa de la de Flash de destello. Los leds de los móviles no son flashes. Son luz continua. De ahí que si haces una foto a alguien y se mueve sale movido. Si fuera un flash lo “congelaría”. En cuanto a comportamiento en cuanto luces son iguales. Pero el que una de ellas no se interrumpa su incidencia en la escena tiene sus ventajas y sus inconvenientes. Ventajas, se aprecia realmente como va a salir la foto en cuanto a sombras y contraste. Inconveniente, se necesita mucha intensidad (aunque ahora con paneles “Leds” se está avanzando en ello) y por lo tanto en calor (ahora los “Leds” son algo más fríos). El flash es un destello que dura un momento. El flash (sea de estudio o de mano) Ventajas la máxima intensidad se produce en ese momento y se puede aprovechar mucha luz sin grandes costes de corriente. Inconvenientes tienes que sincronizar ese disparo. Si no la foto será defectuosa. Y, normalmente, no puedes hacer ráfagas. Aunque si existe ahora disparo múltiple de flash (o Bracketing de flash) para asegurar la toma.
Sobre la luz se puede hacer un tratado o muchos tratados. El resumen es esto. Yo he estudiado muchos libros sobre luz y no es que solo se reduzca a coger una linterna y jugar con ella un rato. Pero con este ejercicio y otros que podéis hacer en vuestra propia casa, llegaréis a más conclusiones que no vienen en este artículo. Y observad la luz natural, es luz disponible, pero si se estudia sobre el terreno puedes tener mucho ganado.

LA CALA




Esta foto está realizada, precisamente con una linterna. La flor está iluminada desde abajo. Nos damos cuenta de ello mirando que en la parte de arriba hay más sombras. La exposición es larga sobre un par de segundos. La fuente de luz es una iluminación “escénica” es como se iluminaba antiguamente los teatros. De una forma poco natural. Ya que en la naturaleza la iluminación viene desde arriba. He centrado la toma para lograr partir la escena. La fuente de luz está acercada al motivo y oscurece el fondo. Para lograr un fondo negro, acercar la fuente de luz y cerrar diafragma. Eso es básicamente. Que la luz se “coma” toda la posible luz ambiente que hay. Si la alejamos se vería la pared que hay detrás de la flor, que por cierto es blanca. La escena es un triángulo invertido. Líneas explícitas. Los contornos y el pistilo de la Cala. El fondo uniforme no distrae del motivo.









LA FRASCA



Iluminación difusa. Fondo blanco. Dos ventanas rebotadas al techo y las paredes. Separación de la frasca del fondo lo suficiente. Figura básica, rectángulo. Nos da sensación de prisma por la iluminación rebotada del fondo que perfila los bordes del cristal. Iluminar cristal parece una tortura para los estudiantes de fotografía. Tiene su dificultad pero con un poco de experiencia (y formación adecuada también) puede afrontarse con éxito. Se podría interpretar si aclaráramos más la imagen como una clave alta.



JUAN GREGORIO GARCÍA ALHAMBRA
FOTO digitalhambra

08/07/2016

miércoles, 6 de abril de 2016

Primera Entrega del Curso de Fotografía

CURSO DE FOTOGRAFÍA

IDEAS SOBRE LA IMAGEN, SU PERCEPCIÓN Y RECEPCIÓN.


  1. ¿POR QUE REALIZAMOS IMÁGENES?

Los humanos desde que se nos empieza a considerar como tales, hemos realizado imágenes. De una manera o de otra, por unas razones o por otras. Tratamos de interpretar lo que vemos o sentimos al verlo. Y somos conscientes de que las realizamos. Un animal puede ver su imagen en un lago reflejada y no ser consciente de que es él mismo.
El Inicio fue con toscos pigmentos, con materiales que permitían su talla. Y claro, más adelante tuvieron que confeccionarse herramientas para facilitar, cuando no posibilitar las obras. Eso se comenzó a llamar Arte. Al ser realizada por los más hábiles en el manejo de las herramientas que al principio eran los artesanos.
Luego pasó a llamárseles artistas. Una vez se realizaba exclusivamente para satisfacer la necesidad de imágenes por placer o por ostentación.
Después de esta pequeña introducción volvemos a nuestro propósito fotográfico. La consecución del invento de la imagen fotográfica supuso una gran revolución. Se acababa el estar horas y horas, quizá semanas o meses pintando un cuadro. Se podían obtener ahora retratos y reproducciones de paisajes o bodegones por poner algunos ejemplos directamente. Sin mancharte de pintura. Pero insisto ¿Por qué esa necesidad de plasmar lo que hay a nuestro alrededor?
Todas las culturas, todas incluidas algunas que han prohibido representar el ser humano, han representado imágenes. Esas que lo prohibieron tuvieron sus corrientes menos ortodoxas que hicieron representaciones del ser humano. Necesitamos expresar de alguna manera nuestra capacidad de imitar, transformar o idealizar la realidad. Cuando se nos plantea una sociedad sobre tecnificada y despreciando disciplinas como la historia, la filosofía o el mismo arte. Nos parecemos más animales irracionales, que a seres humanos. Si hacemos tareas mecánicamente, incluso sin intervenir en ellas. Si solo trabajamos, comemos y dormimos no disfrutamos enteramente de nuestro raciocinio. Ni nosotros ni nuestros semejantes. Por eso, aunque el arte y los artistas casi siempre han sido una clase de personas que se dedicaban no se sabe muy bien a que. Sin embargo han sido los que realmente le han dado sentido a la vida. La rutina está bien. Pero observar un cuadro, una buena fotografía. Pasear por un claustro de columnas y observar la pureza de líneas de un palacio neoclásico. Nos tranquiliza, nos excita nuestra curiosidad por saber quien y por qué fabricó esa belleza. Y nos evade de los problemas cotidianos.
En esta época de Internet que todos los contenidos se piden gratis o se obtienen por medios oscuros gratis. No he visto todavía una huelga de artistas. ¿Por qué de nuevo pregunto? Un artista crea, es como un Dios menor en su disciplina. Y cualquiera que crea algo quiere que se contemple, lea, escuche o se difunda. A veces con la única recompensa de que le digan que eso está muy bien hecho y que alegra y conforta a mucha gente. No obstante el artista también persigue una remuneración para seguir construyendo obras de arte. Imágenes en este caso. Pues tiene herramientas que necesita comprar, reparar y gastar en su labor.
A las imágenes se les ha dado por ciertos autores literarios un sentido oscurantista, esotérico y metafísico. Puede que algunas obras lo tengan. Pero muchas de esas conjeturas se han hecho décadas o siglos después de hechas las obras. Y sin un cuaderno que el mismo autor nos confesara que eso es así no puede probarse. Cuando te enfrentas a una imagen hay dos partes. El autor y el espectador. Y el autor puede tener una interpretación y el espectador otra. Y si hay multitud de espectadores pues multitud de opiniones. Cuando me dicen sesudos críticos cuando observan fotografías en exposiciones “El artista quiso decir esto o lo otro” Vaya usted a saber lo que el artista pretendía. Sobre todo si no se sabe de su directa fuente.

Eso no deja de ser una opinión como otra cualquiera. Y es más, posiblemente quiso decir eso. Pero lo que otros ojos pueden interpretar puede ser cosa distinta. Lo importante es que las imágenes impacten. Para ello tienen que tener ciertos elementos y la obtención de bastante cultura visual por parte de los artistas. En este caso fotógrafos.
No nos engañemos, no quiero dar una clase de composición como las que se repiten machaconamente y erróneamente en multitud de opúsculos en Internet. Ni tercios, ni proporciones divinas ni lecciones facilonas de perspectiva. Ni siquiera pretendo que se siga lo que digo. Espero que se me critique y se llegue a conclusiones por parte de cada cual que me lea. Formándose su propio criterio.
No hay un canon de imagen al uso. Hay distintas épocas, distintas culturas y dentro de ellas distintas corrientes artísticas de la imagen. Nunca se ha pintado, ni se ha fotografiado igual. Si vemos un retrato de finales del Siglo XIX no tiene nada que ver con el “Selfie” que acabas de subir a Instagram. No por que no sean correctos alguno de los dos. La ropa, los peinados, las expresiones son distintas según el tiempo y los lugares donde se captan. Pero sin embargo hay cosas que si son comunes en ambos retratos. Probablemente el antiguo retrato tenía el ojo más próximo al menos correctamente enfocado (lo correcto es que los dos ojos en un retrato aparezcan enfocados). Y el actual si lo has hecho bien habrás tratado que pase lo mismo.
Bueno terminando con esta primera proposición de este llamado Curso que es más lo que lo subtitulo son unas ideas trenzadas que no hablan de diafragmas, ni de obturación ni de ISO. Para eso mejor un curso de técnica que los hay y muy buenos. Hacemos imágenes por que nuestros semejantes nos parecen fotogénicos. Y los paisajes, y otras obras de arte, y los atardeceres y amaneceres. Nos encanta robar el alma a todo y llevárnoslo en nuestra cámara. Es más un préstamo que un robo. Pues luego devolvemos el alma en forma de representación favorecedora.
La próxima proposición será sobre la Luz. Ideas, repito, no explicación sobre teorías ondulatorias o corpusculares. Ahora pongo dos imágenes hechas por mi y os explico su estructura.
Este curso será de esa manera. Un par de páginas por artículo y al final dos imágenes y analizarlas.

                                                       BODEGÓN DE ESPECIAS






Esta imagen tiene, en principio dos planos. Las especias por un lado y la botella de aceite, el molinillo y la manos de almirez o morteros por otro. Esta hecha con un flash rebotado hacia el Techo. No se observa ninguna sombra dura. Podría pasar por una escena o bodegón iluminada por luz continúa artificial o solar. Los montoncitos de especias están colocados con colores cálidos en lo que podrían ser los vértices de un triángulo escaleno (que añade cierta tensión) y en su centro un verde que se puede considerar un color frío en contraste. El fondo (es muy importante en todas las escenas pero en los bodegones es esencial) no distrae. Esta hecho con una cartulina gris medio. Colocada curvada para que al iluminar con un rebote de flash se haga un degradado de oscuro a claro. Pues incide menos en la parte de arriba y la luz rebotada va más derecha a la parte de abajo por la orientación del flash. Poco más que añadir. Solo que se comprende la escala debido al diferente tamaño de los dos morteros.


                                                                       LLUVIA






Esta es una imagen poco convencional. Lo que esperamos de una ventana transparente es ver nítidamente lo que hay fuera... o dentro. El enfoque se ha desplazado al mismo cristal. Siendo nítidas las gotas de la lluvia. Son las protagonistas y aquí hay dos planos la parte nítida y el fondo desenfocado. No obstante podemos colegir que detrás hay una cubierta de tejas y una terraza. Se adivina que el día sigue plomizo por los colores grisáceos que predominan en la toma. Predominan colores fríos. Las gotas siguen un patrón algo anárquico pero de formas casi circulares que se distribuyen predominando sobre todo por las zonas claras. Resaltando por contraste más en la única zona oscura que viene a ser la cubierta. Del fondo vemos, al estar desenfocado formas más que elementos concretos, rectángulos, triángulos y manchas de color irregulares.


JUAN GREGORIO GARCÍA ALHAMBRA
FOTO digitalhambra
06/04/2016